Fotocinema

[Reseña] Clarence Brown. Reseña de Pedro Gutiérrez Recacha

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Autora: Carmen Guiralt

Viene siendo habitual que cuando algún estudioso de nuestro país firma una nueva monografía sobre un realizador norteamericano, esta acabe planteándose como una suerte de recopilación bibliográfica de las publicaciones más importantes aparecidas sobre el cineasta en cuestión tanto en España como en el panorama internacional, aderezado todo con apuntes particulares del autor sembrados aquí y allá (opiniones, críticas, análisis fílmico de escenas destacadas) que en la mayoría de los casos sirven como amalgama para engarzar las consabidas citas, inexcusables, de los expertos universalmente reconocidos en la materia, dando al conjunto, de paso, un toque personal. Es una fórmula que se diría inevitable, impuesta por los condicionantes externos, más allá de la buena disposición del autor.

Recuperado de: http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=view&path%5B%5D=437

[Reseña] Todos los jóvenes van a morir: Ideología y rito en el slasher film. Reseña de Laura Caballero Ruiz de Martín-Esteban

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Autor: Luis Pérez Ochando

El título del último libro de Luis Pérez Ochando podría interpretarse a modo de epifanía, ya que, en el slasher film (subgénero cinematográfico al que se dedica dicho libro) el destino insalvable de todos sus protagonistas es la muerte. El autor es licenciado en Comunicación Audiovisual y doctor en Historia del Arte por la Universidad de Valencia con la tesis La ideología del miedo: El cine de terror estadounidense, 2001-2011, (2014). Autor de George A. Romero. Cuando no quede sitio en el infierno (Madrid, Akal, 2013), también ha publicado diversos artículos especializados sobre cine de terror en revistas como L’Atalante: Revista de estudios cinematográficos, de la que el mismo es cofundador. El libro que aquí nos ocupa, continua esta trayectoria sobre el género de terror, analizando en este caso el slasher en su significado más social y cultural. Como el título apostilla, Ideología y rito en el slasher film, la obra desentraña cómo operan estos textos fílmicos ideológicamente, buscando el discurso que se articula tras la ficción.

Recuperado de: http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=view&path%5B%5D=435

[Reseña] El verdugo. Reseña de Luis Deltell y Nadia McGowan

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Autor: Kepa Sojo

Decir que una obra maestra ofrece muchas lecturas, de tanto repetirse, resulta huero. Sin embargo, cuando el espectador se encuentra con El verdugo (Luis García Berlanga, 1963) se asombra por la inmensa cantidad de puertas que se abren ante él. Pocas películas presentan tantos temas al que la contempla: la pena de muerte, el final de las ilusiones, el franquismo, el amor desdichado, la pobreza, el humor como esperanza… En cada visionado de esta obra, el espectador descubre algo nuevo y encuentra una nueva abertura que le conduce a otro lugar, a otro tema o a otro acertijo por descubrir. Este largometraje de Luis García Berlanga se comporta como uno de esos poliedros irregulares con todas sus caras distintas. Según desde dónde y cuando se mira se observan cosas diversas del mismo objeto.

Recuperado de: http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=view&path%5B%5D=436

[Diálogo] Experimentaciones entre cine y fotografía. Una conversación con Blanca Viñas y Albert Alcoz

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Autora: Sara Donoso

Entrevista con los artistas Blanca Viñas y Albert Alcoz que combinan el filme performativo para explorar las posibilidades de la imagen desde el propio aparato fílmico. Estrechando los vínculos entre cine y fotografía, sus proyecciones se fijan en las cualidades del medio para abrir un diálogo con disciplinas como el sonido o la pintura, obteniendo múltiples relaciones estilísticas donde la experimentación plástica predomina sobre el contenido narrativo

Recuperado de: http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=view&path%5B%5D=434

[Miscelánea] La pródiga (Rafael Gil, 1946): pasión, alegoría e influencia de la escuela pictórica romántica

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Autor: Juan Ignacio Valenzuela Moreno

La obra literaria de Pedro Antonio de Alarcón fue una fuente de inspiración para muchos cineastas españoles de los años cuarenta, incluido Rafael Gil, que hizo de La pródiga (1946) una de sus películas más acabadas en ese período. Considerando las dificultades de un sistema cinematográfico que resurgía de las cenizas de una incruenta Guerra Civil, la película de Gil supone una inteligente creación al hacer uso de simbología de índole narrativa mediante el uso de la luz y decorados inspirados en la tradición pictórica romántica, que hacen de La pródiga un modelo del cine realizado en esos años de la posguerra.

[Miscelánea] Mercado Prohibido: antibióticos y contrabando en versión española

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Autores: Raúl Rodríguez Nozal, Antonio González Bueno

Con las limitaciones redentoras y moralizantes propias del franquismo, y las derivadas de la censura existente en aquellos años, la película española Mercado Prohibido (Xavier Setó, 1952) se nos presenta como una interesante fuente para analizar el problema del contrabando de antibióticos durante este período. Las referencias a este asunto son abundantes y muy explícitas: necesidad de conservar estos productos en ambiente refrigerado, lugar de procedencia de estas sustancias (EE.UU.), principales antibióticos existentes en torno a 1951 (penicilina, estreptomicina y cloranfenicol), existencia de robos de antibióticos en hospitales, así como de adulteraciones y falsificaciones, o claras alusiones a las políticas españolas promovidas con el ánimo de acabar con este mercado ilícito, en concreto las relativas a la fabricación de antibióticos en España, circunstancia que queda claramente explicitada en este largometraje, y que parece querer ser utilizada como herramienta propagandística para tratar de mostrar las excelencias de nuestro progreso industrial y de nuestro modelo de economía autárquica.

Recuperado de: http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=view&path%5B%5D=432

[Miscelánea] Volver a filmar: un abordaje del ‘documental del retorno’ a través del caso de Desembarcos (un taller en Buenos Aires) de Jeanine Meerapfe

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Autora: Paola Margulis

Hacia el final de la última dictadura militar argentina (1976-1983), distintos documentalistas exiliados –o que residían en el exterior- retornaron a su país a filmar. Las miradas y las preguntas de estos cineastas tienden a denunciar los horrores vividos a causa del terrorismo de Estado, deteniéndose en las luchas de los organismos de derechos humanos. El presente trabajo se concentrará en el análisis del film Desembarcos(un taller en Buenos Aires) (1986-88) de Jeanine Meerapfel, documental que aborda específicamente el tema del retorno, problematizando el miedo que quedó instalado en la sociedad argentina luego de la última dictadura militar. El análisis de dicho film resulta de gran interés para pensar algunas problemá-ticas específicas de la transición democrática argentina, en particular, el modo en que el cine no ficcional del retorno permite advertir la clausura del régimen de expectativas abierto por el re-establecimiento democrático.

Recuperado de: http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=view&path%5B%5D=431

[Miscelánea] El orden de los factores… Las rescrituras de Tute cabrero. Entre televisión, teatro y cine

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Autor: Jorge Sala

El film Tute cabrero (Juan José Jusid, 1968) constituye un caso extraño de traslación de un texto dramático a la pantalla dentro del panorama de las producciones cinematográficas argentinas de los sesenta. Escrito originalmente como un guión televisivo por Roberto Cossa (el dramaturgo teatral más importante del realismo de la década) la obra fue llevada primero al cine sin haber tenido previamente otra difusión. Años más tarde, en 1981, el propio Cossa reescribiría su propio material para estrenarlo en los escenarios. El trabajo analiza, desde una perspectiva semio-pragmática, estos procesos de trasvase múltiple –del guión, al cine y finalmente al teatro– buscando recuperar no solo las trans-formaciones operadas en estos pasajes sino también las huellas persistentes y la incidencia que los diversos medios tuvieron en las distintas versiones.

Recuperado de: http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=view&path%5B%5D=430&path%5B%5D=453

[Presentación] Sexo y erotismo en el cine: lo que ha llovido desde El beso

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Autores: Francisco García Gómez

El cine ha mantenido una actitud ambivalente con la sexualidad humana. Desde sus orígenes, la moral y la censura han sido cortapisas con las que han tenido que lidiar los cineastas en todo tiempo y lugar para explorar la representación de un asunto tan esencial en la vida humana. Más allá del acto sexual, cuya visualización estuvo durante décadas ligada al clandestino ámbito de la pornografía, los realizadores han tratado de sortear esos obstáculos recurriendo al erotismo y, con él, al ingenio y la metáfora. Cuando se repasa la centenaria historia del cine, queda claro que el sentido de lo erótico ha sufrido cambios. Tampoco pueden obviarse las distinciones en función de los géneros y de las variadas orientaciones sexuales, muchas de las cuales han debido permanecer ocultas durante demasiado tiempo. Ni las diferencias socioculturales a la hora de plasmar una cuestión que por otro lado une a toda la humanidad.

Recuperado de: http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=view&path%5B%5D=418&path%5B%5D=431

 

[Artículo] ¿Un Ozu pornográfico? Hentai Kazoku: el experimento venéreo de Suo Masayuki

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Autor: Antonio Santos

El  primer largometraje que realizara  el cineasta japonés Suo Masayuki en 1983,  Hentai kazoku : Aniki no o yome-san (Una familia anormal: La mujer de mi hermano mayor) plantea una combinación aparentemente imposible: se trata de  una atrevida parodia  de las historias familiares de Yasujiro Ozu, pero realizada bajo las convenciones del cine  pornográfico.   El resultado es insólito y transgresor: una evocación del cine de Ozu, rodado  con su  austero estilo característico,   y  con unos protagonistas que  evocan los personajes interpretados por Setsuko Hara y Chishu  Ryu, pero filmados bajo claves eróticas. Una parodia, al fin y al cabo,  tan insólita como explosiva.  El propósito de este experimento cinematográfico, que aúna mímesis e ironía, no se ve motivado tanto por el gesto iconoclasta, cuanto por el deseo de rendir un desenfadado homenaje al maestro por el que se siente veneración. El presente trabajo analiza los pormenores de tan singular película, reconociendo en ella las huellas del director de Cuentos de Tokio, al tiempo que se identifican en sus escenas los límites y las convenciones del roman poruno.

Recuperado de: http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=view&path%5B%5D=429&path%5B%5D=451