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Moving Stills: Portraiture and Superficial Ties in Two Visconti Films

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Moving Stills: Portraiture and Superficial Ties in Two Visconti Films

Juan Sebastián Ospina Léon

 

Resumen:

Este ensayo se centra en dos películas dirigidas por Luchino Visconti, La terra trema (1948) y Rocco e i suoi fratelli (1960) estudiadas bajo la lente de discursos sobre la Cuestión Meridional (la subyugación del sur por el norte propia del proceso de consolidación nacional italiana). Analizo dos cuestiones concomitantes: la configuración de lazos de parentesco y cuerpos sociales meridionales mediante retratos fotográficos; y la relación de éstos últimos con imágenes en movimiento y narrativa fílmica. Consecuentemente en mi análisis estilístico pongo en duda afirmaciones de realismo documental en ambas películas consideradas paradigmas del cine neorrealista, resaltando en ellas el uso sistemático de convenciones melodramáticas. Subrayo el carácter sinestésico del melodrama, que toca al espectador mientras éste mira la pantalla. Visconti sistemáticamente presenta relaciones sinestésicas y emocionales entre tomas, fotos e imágenes para transmitir su propia solución a la Cuestión Meridional.

 

Palabras clave:

Neorrealismo; Melodrama; Luchino Visconti; La cuestión meridional; Estudios italianos

 

Abstract

This essay focuses on two films directed by Luchino Visconti, La terra trema (1948) and Rocco e i suoi fratelli (1960) under the light of Southern Question discourses–the subjugation of the South to the North inscribed in the process leading to Italian national affirmation. I address two related issues: the fabrication of southern kinship and social bodies via portraiture, and the latter’s relationship to moving images and filmic narrative. Consequently, analyzing film style I question claims of documentary realism in these films, paradigms of neorealist filmmaking, by foregrounding their systematic use of melodramatic conventions. I stress the synesthetic side to melodrama. Spectators look at the screen while in their turn are touched by its moving images. Visconti systematically presents once and again this synesthetic emotional relationship between shots, photographs, and pictures to forward his solution to the Southern Question.

 

 

Keywords:

Neorealism; Melodrama; Luchino Visconti; Southern Question; Italian Studies

 

 

Cómo citar este artículo:

Ospina-Léon, J. S. (2013) Moving Stills: Portraiture and Superficial Ties in Two Visconti Films en Fotocinema, Revista Científica de Cine y Fotografía, 7, 23-41.

ISSN 2172-0150

 

 

Recuperado de:

http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=view&path%5B%5D=181

 

El reto tecnológico en la gestión de los procesos productivos cinematográficos; el director de postproducción como eje para la implementación de efectos visuales en España (finales de los 90 – mayo del 2012)

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El reto tecnológico en la gestión de los procesos productivos cinematográficos; el director de postproducción como eje para la implementación de efectos visuales en España (finales de los 90 – mayo del 2012)

 

The technological challenge in the cinematographic workflow management: the director of post production for the implementation of visual effects in Spain (late 90´s – may 2012)

 

Oswaldo García Crespo

Diana Ramahí García

 

 

Resumen:

Este trabajo sobre la industria cinematográfica española se enmarca dentro de los estudios dedicados a analizar las consecuencias de la digitalización sobre la configuración de los procesos productivos y las competencias de los profesionales implicados. La postproducción cinematográfica en España es ya digital en la mayoría de los casos, culminando un proceso que se inicia a finales de los 90. Este hecho ha facilitado la digitalización de todos los flujos de trabajo y un proceso de traslación de parte de la creación de la imagen cinematográfica del rodaje a la postproducción.  En este contexto estudiamos las implicaciones que se derivan de la normalización de los efectos visuales digitales como herramienta de producción para películas de alto y bajo presupuesto. Así, unido a las necesidades de producción de estos efectos, la volatilidad de la tecnología digital demanda una actualización constante en la dirección de producción del film y nos lleva a evaluar la importancia del director de postproducción como eje para la implementación de las nuevas rutinas productivas.

 

Abstract:

This paper deals with Spanish cinematographic industry and it belongs to the field of studies focused on the workflows digitalization configuration and the changes in the professional competences involved. Cinematographic postproduction in Spain is now digital in most of the cases, completing a process which begins at the end of the 90´s. This fact has contributed to the digitalization of the whole production process and the translation of cinematographic image creation from the shooting to the postproduction. In this framework we approach the implications caused by the normalization of digital visual effects as production tool for high and low budget movies. Therefore, visual effects production needs together with ongoing evolution of digital technology require continuous updating for producers and lead us to assess the relevance of the director of postproduction as a key factor for the implementation of new workflows.

 

Palabras clave:

Digitalización; Postproducción; Efectos visuales; Director de postproducción.

 

Keywords:

Digitalization; Post production; Visual effects; Director of post production

 

 

Cómo citar este artículo:

García-Crespo, O. & Ramahí-García, D. (2013) El reto tecnológico en la gestión de los procesos productivos cinematográficos; el director de postproducción como eje para la implementación de efectos visuales en España (finales de los 90 – mayo del 2012), en Fotocinema, Revista Científica de Cine y Fotografía, 7, 43-71.

ISSN 2172-0150

 

 

Recuperado de:

http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=view&path%5B%5D=178

La fotografía de moda en el cine: Funny face y Blow up

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La fotografía de moda en el cine: Funny face y Blow up

Fashion photography in films: Funny face and Blow up

 

Mª José Flores Martínez

 

Resumen:

El cine, la televisión y la fotografía de moda – unida esta última a dos fenómenos económicos y sociales característicos del siglo XX: la moda y la publicidad- contribuyeron decisivamente al creciente proceso de democratización y globalización de la incipiente sociedad de masas que culminó en una nueva concepción de la cultura, la cultura popular. La fotografía de moda y el cine fueron medios de difusión de los modos de vida y tendencias sociales de su tiempo. Esta reproductibilidad fotográfica y cinematográfica influyó notablemente en una nueva forma de entender las obras de arte y, lo más importante, modificó también nuestra forma de percibir imágenes. En este artículo analizamos el lenguaje de las imágenes de fotografía de moda que exponen dos películas que consideramos representativas: Funny Face, de Stanley Donen yBlow Up, de Michelangelo Antonioni, realizadas en las décadas de los cincuenta y sesenta del pasado siglo respectivamente.

 

 

Abstract:

Film, television and fashion photography –joined the later to the two distinctive economic and social phenomena of the twentieth century: fashion and advertising- contributed decisively to the growing process of democratization and globalization of the emerging mass society which culminated in a new conception of culture: popular culture. Fashion photography and film media were lifestyles and social trends of this time. This photographic and film reproducibility greatly influenced a new way of understanding art and, most importantly, also changed the way we perceive images. In this paper, we analyze the language of fashion photography images displayed in two films: Funny Face, by Stanley Donen and Blow Up, by Michelangelo Antonioni; made in the decades of the fifties and sixties of last century respectively.

 

 

Palabras claves:

Cine; Fotografía de moda; Funny Face; Blow Up; Cultura Pop.

 

Keywords:

Film; Fashion photography; Funny FaceBlow Up; Pop culture.

 

 

Cómo citar: este artículo:

Flores-Martínez, M. J. (2013) La fotografía de moda en el cine: Funny face y Blow up, en Fotocinema, Revista Científica de Cine y Fotografía, 7, 73-98.

ISSN 2172-0150

 

 

Recuperado de:

http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=view&path%5B%5D=182

Confrontación. Más allá del duelo leoniano

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Confrontación. Más allá del duelo leoniano

Confrontation. Beyond leonian duels

 

Miguel A. Rodríguez Villar

 

 

Resumen:

La aplicación de nuevos modelos narrativos en el marco audiovisual compromete las estructuras establecidas con anterioridad. La gramática cinematográfica, como cualquier arte, evoluciona y se transforma superando viejos dogmas o recuperando anteriores propuestas. La presente investigación se centra en la deriva narrativa de los tratamientos  audiovisuales en las confrontaciones, focalizando el estudio en las características del duelo leoniano como base de una nueva narrativa o discurso de confrontación que sigue vigente en la actualidad.

 

Abstract:

The application of new narrative models in the audiovisual framework jeopardizes the previously established structures. Cinematographic grammar, as in any other artistic discipline, evolves and alters itself by overcoming old dogmas or preceding proposals. The current research explores the narrative drift of audiovisual treatments in confrontations by focusing on the study of the features of the leonian duel as a basis for a new narrative of confrontation that is still valid nowadays.

 

Palabras clave:

Duelo; Sergio Leone; narrativa; cine; confrontación.

 

Keywords:

Duel; Sergio Leone, narrative; cinema; confrontation

 

 

Cómo citar este artículo:

Rodríguez-Villar, M.A. (2013) Confrontación. Más allá del duelo leoniano, en Fotocinema, Revista Científica de Cine y Fotografía, 7, 99-136.

ISSN 2172-0150

 

 

Recuperado de:

http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=view&path%5B%5D=184

Los personajes femeninos bajo la mirada del cineasta Benito Zambrano. Retrato de la mujer en Solas, Habana Blues y La voz dormida

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Los personajes femeninos bajo la mirada del cineasta Benito Zambrano. Retrato de la mujer en Solas, Habana Blues y La voz dormida

 

Female characters seen by filmmaker benito zambrano. A portrait of women in the films Solas, Habana Blues and La voz dormida

 

Belén Puebla Martínez

Zoila Díaz-Maroto Fernández-Checa

Elena Carrillo Pascual

 

 

Resumen

El cine, entendido como productor de imágenes y significados concretos se convierte en un medio esencial para comprender el mundo que nos rodea. Es decir, el cine debe entenderse como un espejo que reelabora la propia realidad de la que se nutre, creando nuevas representaciones que pasarán a formar parte de nuestro imaginario.

 

En este sentido, este trabajo tiene como objetivo analizar la representación de la mujer en el cine del director español Benito Zambrano. Para ello, no sólo nos hemos centrado en observar los estereotipos que representan los personajes femeninos, sino que hemos analizado la existencia de representación femenina en cada uno de los film a través del test de Bedchel.

De esta forma, hemos podido ver como en sus tres películas (Solas, Habana Blues La voz dormida) el cineasta muestra a mujeres que adquieren un mayor protagonismo en cada una de las historias a través de personajes de gran complejidad. Zambrano ha intercalado roles clásicos –madre, hija, esposa– con estereotipos que nada tienen que ver con los que veíamos en el cine patriarcal. Como resultado, nos encontramos con personajes mucho más independientes, fuertes y maduros que se alejan, en cierto modo, del clasicismo de la imagen femenina que pudiera estar integrado dentro del imaginario colectivo.

 

Abstract:

Cinema, understood as the generator of images and meanings, becomes an essential way of understanding the world around us. Moreover, cinema should be seen as a mirror that reworks the reality from which it draws its inspiration, creating new representations that will become part of our imagination.

In this sense, the aim of this article is to analyze the representation of women in the films of Spanish director Benito Zambrano. For this purpose, we have focused not only on observing stereotypes portraying female characters, but we have also discussed the existence of female representation in each of them through the Badchel test.

Consequently, we see that in his three films (SolasHabana Blues and La voz dormida) the filmmaker shows women taking on more important roles in each of the stories through the complexity of their characters. To achieve this, Zambrano has interspersed classical models -mother, daughter, wife- with stereotypes that have no relationship with what is seen in patriarchal movies. As a result, we find characters who are much more independent, stronger and more mature. In a certain manner, they distance themselves from the classicism of the female image that one would normally find integrated within our collective imagination

 

 

Palabras clave:

Benito Zambrano; cine; representación femenina; mujer; personaje.

 

Keywords:

Benito Zambrano; cinema; female representation; woman; character.

 

 

Cómo citar este artículo:

Puebla-Martínez, B. et al. (2013) Los personajes femeninos bajo la mirada del cineasta Benito Zambrano. Retrato de la mujer en Solas, Habana Blues y La voz dormida, en Fotocinema, Revista Científica de Cine y Fotografía, 7, 137-167.

ISSN 2172-0150

 

 

Recuperado:

http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=view&path%5B%5D=171

La risa en La Ricotta de Pasolini

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La risa en La Ricotta de Pasolini

From still image to moving image: analysis of laughter in la Ricotta from Pasolini

 

José Manuel López-Agulló Pérez-Caballero

 

Resumen

 

El presente ejercicio teórico toma como objeto de su estudio la risa dentro de la narración cinema-tográfica a partir de un fragmento escogido del filme de Pasolini, La ricotta (1963).

Para ello articularemos nuestro análisis en dos episodios: el primero dirigido al repaso teórico e histórico de la risa; el segundo, a la aplicación de las directrices metodológicas rescatadas del primero al análisis cinematográfico de nuestro caso de estudio.

Se trata de analizar el comporta-miento de la risa a partir de los elementos que componen la historia cinematográfica: los narrativos y los estilísticos. La finalidad del texto será la de estudiar la disyunción entre imagen fija e imagen movimiento tomando la risa como el punto de inflexión entre ambas.

 

Abstract:

This essay is based on the study of laughter in cinematic storytelling from a chosen fragment of Pasolini’s film, La ricotta (1963). This paper will be structured in two stages: the first one related to theoretical and historical overview of laughter, and the second one on film analysis taking in consideration the previous concepts underlined at the first stage.

That means to analyse the behaviour of laughter through the elements that are involved in the construction of a film story: narratives elements and stylistic elements. The aim of this essay is to study the relationship between still image and moving image, taking laughter as the turning point between those types of images.

 

Palabras clave:

Risa; mecánico; viviente; imagen fija; imagen movimiento.

 

Keywords:

Laughter; mechanical; living; still image; moving image.

 

 

Cómo citar este artículo:

López-Agulló Pérez-Caballero, J.M. (2013) La risa en La Ricotta de Pasolini, en FOTOCINEMA. Revista Científica de Cine y Fotografía, 7  169-191.

ISSN 2172-0150

 

 

Recuperado de:

http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=view&path%5B%5D=185

Análisis fílmico de los juegos populares y tradicionales

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Análisis fílmico de los juegos populares y tradicionales

FILMANALYSIS POPULAR AND TRADITIONAL GAMES

 

Julio Herrador Sánchez
Universidad Pablo de Olavide. Sevilla
Recibido: 05/05/2012 – Aceptado: 01/03/2013

 

Resumen

El análisis de escenas cinematográficas relacionadas con el ámbito lúdico, implica un estudio minucioso, por lo que hemos utilizado un diseño de estudio no experimental descriptivo que nos permitiera obtener el mayor número de datos para su posterior análisis de manera cualitativa, con lo que los resultados obtenidos han sido de una gran riqueza, a pesar de su subjetividad. Somos conscientes de la imposibilidad de localizar y analizar todos los juegos que aparecen en las películas y recogerlos en un solo trabajo.

El objetivo o meta principal que este proyecto, es servir de herramienta para los futuros docentes y profesionales de la educación, ofreciendo unas pautas adecuadas para utilizar el cine desde el punto de vista didáctico, y que se pueda convertir en un agente formativo. Hemos considerado prioritario una investigación basada en una experiencia innovadora y novedosa, incidiendo en la importancia de las nuevas tecnologías de la información y de la comunicación, así como la educación intercultural y en valores.

 

Palabras clave: 

Cine; juegos; educación; didáctica; imagen

 

Abstract:

The film scene analysis related to the field fun, involves a detailed study, so we used an experimental design not descriptive study that allowed us to obtain more data for further analysis in a qualitative manner, which results obtained have been of greater wealth in spite of its subjectivity. We understand the inability to locate and analyze all the games that appear in movies and collect them in a single job.
The objective or goal that this project is to provide a tool for future teachers and education professionals, offering appropriate guidance for using film from the educational point of view, and that can be converted into a training agent. We have considered a research priority based on an innovative and novel experience, stressing the importance of new information technologies and communication, and intercultural education and values.

 

Keywords:

Cinema; games; education; educational; image

 

Cómo citar este artículo:

Herrador-Sánchez, J. (2013)  Análisis fílmico de los juegos populares y tradicionales, en Fotocinema, 6, 231-268.

ISSN 2172-0150

 

Recuperado de:

http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=viewFile&path%5B%5D=155&path%5B%5D=104

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Los puentes de Madison: una mirada de género

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Los puentes de Madison: una mirada de género

THE BRIDGES OF MADISON COUNTY: A GENDER PERSPECTIVE

Sonia Herrera Sánchez
Universitat Autònoma de Barcelona
Recibido: 15/05/2012 – Aceptado: 13/07/2012

 

Resumen

 Más allá del uso estereotipado y los lugares comunes del amor romántico y el drama, en la película Los puentes de Madison de Clint Eastwood se dibujan y se cuestionan las estrategias familiares y los roles de género de las mujeres rurales estadounidenses en los años 60 a través de su curso vital y de las relaciones sociales establecidas.

Abordando cuestiones esenciales para el movimiento feminista como la maternidad, la sexualidad de la mujer, la identidad o la doble jornada en el sector agrícola y haciendo un gran uso del lenguaje audiovisual, la adaptación cinematográfica de la novela de Robert James Waller pone el acento (ya sea de forma intencionada o casual) en los tabúes de las mujeres de la época y en los mandatos de género que éstas debían asumir.

 

Palabras clave: 

Cine; género; Eastwood; Madison; maternidad; sexualidad.

 

Abstract:

Beyond the stereotyped used of romantic love and drama on Clint Eastwood’s film The Bridges of Madison County are also shown and questioned family strategies and gender roles of rural women in the 1960s at United States through their lifes and established social relations.

Dealing with feminist movement key issues as motherhood, female sexuality, identity, or the double work time on the agricultural sector and making extensive use of audiovisual language, the filmed adaptation of the novel written by Robert James Waller focuses on (either deliberately or accidentaly) the taboos of the time women and gender mandates they sould assume.

 

Keywords:

Cinema; gender; Eastwood; Madison; motherhood; sexuality.

 

Cómo citar este artículo:

Herrera-Sánchez, S. (2013) Los puentes de Madison: una mirada de género, en Fotocinema, 6, 201-229.

ISSN 2172-0150

 

Recuperado de:

http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=viewFile&path%5B%5D=154&path%5B%5D=103

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El cine norteamericano durante la Gran Depresión (1929-1939)

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El cine norteamericano durante la Gran Depresión (1929-1939)

AMERICAN CINEMA DURING THE GREAT DEPRESSION (1929-1939)

Carmen Mainer
Universidad de Zaragoza
Recibido: 25/07/2012 – Aceptado: 16/10/2012

 

Resumen

El cine comienza su andadura a finales del siglo XIX como un mero entretenimiento de masas, revelando a un público ávido de novedades las posibilidades del reciente descubrimiento. Será a partir de la Revolución bolchevique de 1917 cuando los organismos de poder descubran la capacidad de la imagen en movimiento como herramienta de propaganda ideológica. Los regímenes comunista y fascista se sirvieron del cine para difundir su doctrina y en la democracia de Estados Unidos, durante el período del New Deal (1933-1939), el cine clásico de Hollywood desempeñará la misma función propagandística, aunque haciendo uso de lenguajes y géneros variados y, con frecuencia, mucho más sofisticados. Es precisamente esta faceta del Séptimo Arte, su uso como agente difusor de ideologías, la que nos interesa y se analiza en el presente artículo.

 

Palabras clave: 

Política cultural del New Deal; cine como ideología; Ernest Lubitsch; King Vidor; Frank Capra

 

Abstract:

The cinema begins its career in the late nineteenth century as a mere mass entertainment, revealing to an eager audience the possibilities of the new discovery. It was from the Bolshevik Revolution of 1917 when the power of the moving image as ideological propaganda tool was discovered by the governments. The communist and fascist regimes used the cinema to spread their doctrines and in the American democracy, during the New Deal period (1933-1939), the classical Hollywood cinema will perform the same propaganda function, but using different languages ​​and genres, and often much more sophisticated. It is this aspect of the cinema, its use as a carier of ideologies, that interests us and analyze this article.

 

Keywords:

Cultural policy of the New Deal; cinema as ideology; Ernest Lubitsch; King Vidor; Frank Capra

Cómo citar este artículo:

Mainer, C. (2013) El cine norteamericano durante la Gran Depresión (1929-1939), en Fotocinema, 6, 171-200.
ISSN 2172-0150

Recuperado de:

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Monstruos de la Universal: la etapa silente y los mitos del sonoro

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Monstruos de la Universal: la etapa silente y los mitos del sonoro

UNIVERSAL´S MONSTERS: THE SILENT ERA AND THE SOUND MYTHS

David Fuentefría-Rodríguez
Recibido: 30/10/2012 – Aceptado: 17/01/2013

 

Resumen

En coincidencia con el centenario en 2012 de los legendarios Estudios Universal, este trabajo propone unexhaustivo análisis crítico sobre la construcción de sus principales símbolos terroríficos, la mayoría inspirados en la literatura, que entre los años 1923 y 1941 conformaron la estructura mitogénica del denominado “monstruo clásico”. Tanto en la etapa silente, como con la irrupción del sonoro, las películas de terror de la Universal marcaron un paso imprescindible en la evolución de este género canónico, y a ellas se debe buena parte del ingente desarrollo posterior del mismo.

 

Palabras clave:

Estudios Universal; terror; monstruos; cine mudo; cine sonoro; mito; novela.

 

Abstract:

In coincidence with 2012 legendary Universal Studio´s centenary, this paper proposes an exhaustive critical analysis on the construction of its principal terrifying symbols, the majority inspired by literature, which between 1923 and 1941 shaped the myth structure of the socalled “classic monster”. In both stages, silent and sonorous movies, the terror of Universal Studios marked an indispensable step in the evolution of this canonical genre, and to them it is owed a good deal of its enormous later development.

 

Keywords:

Universal Studios; terror; monsters; silent movies; sonorous movies; myth; novel.

 

Cómo citar este artículo:

Fuentefría-Rodriguez, D. (2013) Monstruos de la Universal: la etapa silente y los mitos del sonoro, en Fotocinema, 6,  143-170.

Recibido: 30/10/2012 – Aceptado: 17/01/201

 

Recuperado de:

http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=viewFile&path%5B%5D=152&path%5B%5D=101

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