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Nuevos lenguajes fílmicos en la vieja Europa: el cine social de los hermanos Dardenne

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Nuevos lenguajes fílmicos en la vieja Europa: el cine social de los hermanos Dardenne

NEW CINEMATOGRAPHIC LANGUAGES IN OLD EUROPA:  DARDENNE BROTHERS SOCIAL FILM

 

Margarita Campillo
Juan Sáez
Andrés Zaplana
Universidad de Murcia
Recibido: 12/12/2012 – Aceptado: 14/02/2013

 

Resumen:

Las películas de los hermanos Dardenne son documentos vivos, poblados de perso-najes marginales y excluidos, que ofrecen enormes posibilidades para reflexionar desde múltiples espacios educativos. Su obra presenta un reconocido estilo personal autoral, tanto en la forma como en las historias que aborda, susceptible de análisis y profundización. Adentrarse en ella y bucear su estilo narrativo es el objetivo de este estudio. Para  materializarlo se esboza, al inicio, la tradición europea creadora de nuevas formas de expresión fílmica a lo largo del siglo XX -desde el naturalismo poético francés hasta llegar al movimiento nórdico “Dogma 95”- para explorar, más detenidamente, a continuación la produc-ción de los directores belgas: siguiendo un planteamiento evolutivo que transita desde sus primeros trabajos que antecederán a “La promesa” (1996) hasta su último film, “El niño de la bicicleta”( 2011), en este texto se analizan las obras de ficción de los hermanos y el estilo característico que pre-domina en ellas.  Planos cortos, que trans-miten su propia vida interior, y de larga duración para que se pueda seguir atentamente la acción, filmación continua-da en el mismo orden programado en el guión, ausencia de música intrusiva, imá-genes despojadas de toda clase de buenos sentimientos… el sello personal de los Dardenne abre cauces novedosos de expresión comunicativa tan poderosos como creativos.

 

Abstract:

The movies of the Dardenne brothers are living documents filled with marginalized characters that offer a great opportunity to think and reflect  from different educational perspectives.  Their work  has a very personal composition; for being ahead of its time and for the depth of its analysis. With this essay, we try to explore and dive deep in their narrative style. For that, we first draft their influences taken from the European tradition with its new ways of filmic expressions, throughout the XX century: from the poetic French naturalism to the Nordic movement “Dogma 95”, to explore in bigger detail, after that, the influence of the productions of Belgian directors: all of these following an evolutionary approach that goes from their first movies before “La promesse” (1996), to their last film, “The kid with a bike” ( 2011),in this text, we analyze their fictional tales and their characteristic style.  Close ups that describe an inner life and long shots to attend to the events in detail. The filming is always done in the order planned in the screenplay, there is always a lack of intrusive music, images without any kind of good feelings…the style of the Dardenne brothers which is an open door to new communicative styles, all of them powerful and creative.

 

Palabras clave: 

Cine; historia del cine; análisis fílmico; narrativa audiovisual; exclusión social

 

Keywords:

Cinema; cinema history; film analysis; audiovisual narration; social exclusion

 

Cómo citar este artículo:

Campillo-Díaz, M., Sáez Carreras, J., Zaplana-Marín, A. (2013) Nuevos lenguajes fílmicos en la vieja Europa: el cine social de los hermanos Dardenne, en Fotocinema, 6, 97-121.

ISSN 2172-0150

 

Recuperado de:

http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=viewFile&path%5B%5D=150&path%5B%5D=99

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A infindável procura de um traço identitário: existirá uma estética feminina?

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A infindável procura de um traço identitário: existirá uma estética feminina?

Ana Catarina Pereira
Universidade da Beira Interior
Recibido: 05/03/2012 – Aceptado: 21/09/2012

 

Resumo: 

No âmbito das teorias feministas do cinema, e dos estudos fílmicos em geral, algumas questões têm sido levantadas ao longo das últimas décadas, nomeadamente no que diz respeito à exigência de uma maior representatividade feminina no mundo da realização e produção cinematográficas. Sendo o olhar do espectador, como Laura Mulvey sugeriu, pressupostamente masculino, treinado por realizadores com fantasias e tendências voyeuristas homogéneas, a questão seguinte seria inevitável: poderá este mesmo olhar assumir características distintas, quando mediado por uma mulher? Poderá a arte, ao contrário dos anjos, ter sexo? Existirá, neste sentido, uma “estética feminina”, como Silvia Bovenschen, em artigo homónimo, publicado em Setembro de 1976, procura antecipar? Procurá-la não implicará um aprofundar de estereótipos associados à feminilidade e à masculinidade, todos eles redutores, segundo o ponto de vista de Michel Foucault e Judith Butler, bem como a atribuição de um certo carácter de exotismo, pela falta de representatividade nos circuitos artísticos? Enunciando e debatendo os principais argumentos dos autores mencionados, propomo-nos, no presente artigo, responder às questões colocadas.

Palavras-chave: 

voyeurismo; espectadora; ausência; receptividade; identificação.

Abstract: 

In the context of feminist theories of cinema, and film studies in general, some questions have been raised in the past few decades, concerning the need for a greater representation of women in the world of film making and production. Accepting the idea of a viewer gaze, as Laura Mulvey suggested, supposedly male, trained by directors with fantasies and uniformed voyeuristic tendencies, the next question is inevitable: might this gaze have different characteristics when mediated by a woman? Can the art, unlike the angels, have sex? Is there, in this sense, a “feminine aesthetic”, as Silvia Bovenschen, on an article with the same name, published in September 1976, looks forward to anticipate? To look for it does not imply a deepening of stereotypes associated with femininity and masculinity, all reducers, according to the point of view of Michel Foucault and Judith Butler, as well as the assignment of a certain exoticism’ character, motivated by the lack of representation in the art circuit? Outlining and discussing the main arguments of the authors above mentioned, we propose, in this paper, to answer these questions.

Keywords: 

voyeurism; female spectator; absence; receptivity; identification.

 

Resumen:

“Las mujeres son diferentes, y una manifestación natural de esta diferencia (nota bene!) es precisamente el hecho de que son incapaces de producir arte.” (Bovenschen, 1976: 115).

Haciéndose eco del paralelismo ya realizado por Simone de Beauvoir en el ensayo El segundo sexo, Silvia Bovenschen vuelve, en un artículo publicado en 1976 que nos proponemos discutir aquí, a la asociación asumida entre una perspectiva descriptiva masculina y la verdad absoluta. En su opinión, el dominio de la producción artística por el género masculino habrá originado una inaccesibilidad y una extrañeza relativas a la otra mitad de la población, que se denuncia por el carácter de exotismo que muchos críticos votaron a los pocos, y de cierta forma lejos entre si mismos, objetos culturales producidos por las mujeres, a lo largo de la historia. Otra consecuencia natural de este fracaso, descrito por el uso del término déficit, importado del lenguaje economicista, todavía sería, a nuestro juicio, una segregación de la dicha producción en una sola clase: una escritura femenina, una mirada femenina, un rasgo femenino. Con la restricción, la incertidumbre se multiplica: la escritura femenina es la que centra su atención en mujeres fuertes y decididas, la que demuestra una sensibilidad y capacidad de observación característica de un género, o la que construye una narrativa entrecruzada, por la sociológicamente establecida capacidad de realizar múltiples tareas asociadas al mismo sexo?

 

Cómo citar este artículo:

Catarina Pereira, A. (2013) A infindável procura de um traço identitário: existirá uma estética feminina?, en Fotocinema, 6, 77-96.

ISSN 2172-0150 N

 

Recuperado de:

http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=view&path%5B%5D=157

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La Medea de Lars von Trier

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La Medea de Lars von Trier

LARS VON TRIER’SMEDEA

 

Iratxe Fresneda Delgado
Universidad del País Vasco UPV-EHU
Recibido: 17/01/2013 – Aceptado: 07/02/2013

 

Resumen

El presente artículo analiza el modo en el que Lars von Trier recrea para el cine el estereotipo de Medea. Mediante el análisis fílmico de la película y apoyándose en los estudios culturales, el texto se interroga acerca de la importancia y el poder potencial del cine a la hora recuperar el antiguo mito y demostrar su vigencia. El análisis amplía horizontes para la compresión de los mecanismos que articulan el entramado de significados de la película, donde Von Trier aporta una nueva visión del arquetipo de Medea uniéndola, a la tradición pictórica del Romanticismo. Una influencia que habita en las posteriores obras del director danés, donde el paisaje, la naturaleza, se erige en elemento catalizador de las pulsiones humanas, en su cómplice y testigo. 

Abstract:

This paper explores the way that Lars von Trier’s film recreates the stereotype of Medea. Using film analysis and based on cultural studies the article asks about the importance and potential power of cinema to recover the ancient myth and show their effects. The analysis expands horizons for the understanding of the mechanisms that link the network of meanings of the film, where the author offers a new vision of Medea’s archetype attaching it to the pictorial tradition tied to the Romanticism. An influence that can be seen in the later works of Lars von Trier, where the landscape, the nature, stands as a catalyst of human drives, as his accomplice and witness.

 

 

Palabras clave:

Medea; análisis fílmico; cine; estudios de género; mitos

 

Keywords:

Medea; film analysis; cine; gender studies; myths

 

Cómo citar este artículo:

Fresneda-Delgado, I. (2013) La Medea de Lars von Trier, en Fotocinema, 6, 55-75.

ISSN 2172-0150

 

Recuperado de:

http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=viewFile&path%5B%5D=148&path%5B%5D=97

 

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L’intertexte entre le réel et l’imaginaire dans le cinéma de Wim Wenders

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L’intertexte entre le réel et l’imaginaire dans le cinéma de Wim Wenders

THE INTERTEXT BETWEEN THE REAL AND THE IMAGINARY IN THE WIM WENDERS’ MOVIES

 

Gustavo Coura Guimarães
Université Paris III – Sorbonne Nouvelle
Recibido: 11/09/2012 – Aceptado: 14/11/2012

 

Abstract

Cet article interroge la façon dont le cinéma représente à l’écran la frontière qui existe entre le monde imaginaire des personnages et celui qu’on appelle « monde réel ». Afin de vérifier la figuration à l’écran de cette relation parfois contradictoire, voir complémentaire, on fera une brève étude du film l’Etat des Choses (1982), de Wim Wenders. Le cinéaste est né en Allemagne, en 1945. Initialement, Wenders a étudié médicine et philosophie pendant deux ans, mais, en 1967, il a changé d’avis afin de poursuivre ses études dans l’audiovisuel. A partir de là, le réalisateur s’est fait connaître comme un des représentants les plus célèbres du « nouveau cinéma allemand ». En 1978, il a été invité par Francis Ford Coppola pour participer au tournage du film Hammett. Ainsi, son cinéma a été toujours marqué par cette intersection culturelle entre l’Amérique et l’Europe. Notre objectif, dans cet article, est celui de mette en évidence les croisements du cinéma avec l’art, la relation des sujets avec l’espace, ainsi que les influences d’un sur l’autre dans les représentations cinématographiques. Notre référentiel théorique sera fondé, surtout, sur les notions de « fiction » et de « documentaire » chez François Niney. Nous espérons, à partir de cette réflexion, pouvoir comprendre plus en profondeur la façon dont Wenders travaille dans son film la métaphorisation de la lumière dans les mises en scènes, en proposant, en quelque sorte, un dialogue entre les concepts de « clarté » et d’« ombre », en ayant comme arrière-plan l’idée de fiction.

Mots-clés:

Fiction ; Personnages ; Réalité ; Représentation ; Wim Wenders ; L’État des Choses.

Abstract

This article shows the way that the cinema represents on the screen the boundaries between the imaginary world of the characters and the one that we used to call “real world”. In order to verify the representation on the screen of this contradictory relationship, sometimes complementary, we will do a brief study of the movie The State of Things (1982), of Wim Wenders. Our intention is to put in evidence the crossings of the cinema with the art, the people and the space, and their mutual influences as well. Our theoretical references will be mainly based on François Niney’s notion of “fiction” and “documentary”. We hope, from this reflection, to be able to understand more deeply the way that Wenders works in this movie the metaphors of light on the character’s “mise en scène”, proposing, somehow, a dialogue between the concepts of “clarity” and “shadow”, having as background the idea of fiction.

Keywords:

Fiction; Characters; Reality; Representation; Wim Wenders; L’État des Choses.

 

Resumen

Este articulo investiga la manera quel cine representa en la grand pantalla la frontera que existe entre el mundo imaginario de los personages y este que nosotros llamamos “el mundo real”. Afin de verificar la figuratión de esta relación a veces contradictoria, a veces complementaria, nosotros haremos un breve estudio de la pelicula “El Estado de las Cosas” (1982), de Wim Wenders. El cineasta nació en Alemania en 1945. Inicialmente, Wenders estudió medicina y filosofía durante dos años, pero en 1967 cambió de opinión para continuar sus estudios en audiovisual. A partir de ahí, el director se hizo conocido como uno de los representantes más famosos del “Nuevo Cine Alemán”. En 1978, fue invitado por Francis Ford Coppola para participar en el rodaje de Hammett. De esta manera, su cine siempre ha estado marcado por esta intersección cultural entre América y Europa. Nuestro objetivo, en este estudio, es de poner en evidencia les intersecciones del cine con el arte, los sujetos y el espacio, asi que las influencias del uno sobre el otro en las representationes cinematográficas. Nuestro marco teórico se basa sobre todo en los conceptos de “ficción” y “documental” de François Niney. Esperamos que, a partir de esta reflexión, podamos comprender más profundamente cómo Wenders trabaja, en su película, la metáfora de la luz en la “mise en scène” des personajes, proponiendo, en cierto sentido, un diálogo entre los conceptos de “claridad” y de “sombra”, tomando como telón de fondo la idea de ficción.

Palabras clabe:

Ficción; Personajes; Realidad; Representación; Wim Wenders; El estado de las cosas.

Cómo citar este artículo:

Coura-Guimarães-Castro, G. (2013) L’intertexte entre le réel et l’imaginaire dans le cinéma de Wim Wenders, en Fotocinema, 6, 43-53.
ISSN 2172-0150

Recuperado de:

http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=view&path%5B%5D=147

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Repeticiones y revisiones: el remake en la fotografía construida

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Repeticiones y revisiones: el remake en la fotografía construida

REPETITIONS AND REVISIONS: THE REMAKE IN STAGED PHOTOGRAPHY

 

Maribel Castro
Universidad Complutense de Madrid
Recibido:05/10/2012 – Aceptado: 13/11/2012

 

Resumen

Desde la posmodernidad, la teoría de la fotografía se ha ocupado de la idea de que las fotografías pueden ser entendidas como procesos de significación y codificación cultural. En un contexto artístico interesado por el pastiche, la cita, la deconstrucción y el cuestionamiento de las ideas de autoría y originalidad, el remake se consolida como modo de producción de versiones de iconos pertenecientes al imaginario colectivo, y se convierte en una estrategia representacional recurrente en la fotografía artística actual. Nos reta a reconocer lo que vemos, cuestionar cómo lo vemos, y problematizar cómo las imágenes dan forma a nuestras emociones y comprensión del mundo.Tras desarrollar el concepto de remake, analizaremos sus implicaciones estéticas, narrativas y representacionales en la fotografía escenificada, mediante el estudio de un conjunto de propuestas artísticas recientes que hacen uso de un stock de imágenes preexistentes (especialmente procedentes de la Pintura), reelaborándolas con nuevos enfoques que expresan además un compromiso con el presente.

PALABRAS CLAVE:

Fotografía escenificada; remake; arte contemporáneo; deconstrucción; originalidad.

 

ABSTRACT

Since posmodernism, photography theory has dealt with the idea that photographs can be understood as processes of cultural meaning and coding. In an artistic context interested in pastiche, quotation, deconstruction and questioning ideas of authorship and originality, the remake is consolidated as way of producing revisions of icons belonging to the collective imagination, and becomes a recurring representational strategy in current art photography. It challenges us to recognize what we see, to question how we see it, and to problematize how images give shape to our emotions and understanding of the world.

After developing the concept of remake, we will analyze its aesthetic, narrative and representational implications in staged photography, through the study of a set of recent artistic proposals that make use of a stock of preexisting images (specially from Painting), that then are reworked with new approaches that express a strong commitment to the present.

 

KEYWORDS:

Staged photography; remake, contemporary art; deconstruction; originality.

Cómo citar este artículo:

Castro, M. (2013) Repeticiones y revisiones: el remake en la fotografía construida, en Fotocinema, 6, 5-41 .

ISSN 2172-0150

 

Recuperado de:

http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=view&path%5B%5D=164

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El cine en el cine: Los abrazos Rotos (Pedro Almodóvar, 2009)

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El cine en el cine: Los abrazos Rotos
(Pedro Almodóvar, 2009)

Film Within Film: Broken Embraces
(Pedro Almodóvar, 2009)

 

Pedro Poyato
Universidad de Córdoba

Resumen

El  cine  en  el  cine, tema  recurrente en  la  filmografía  de  Pedro Almodóvar,  protagoniza  también Los  abrazos  rotos,  película  que contiene en su interior otra titulada Chicas y maletas. Pero las imágenes de esta segunda película, trasunto de otra anterior del propio Almodóvar, Mujeres  al  borde  un  ataque  de nervios,  coexisten  con  las  de  un documental  sobre  su  rodaje.  El resultado  es  una  proliferación  de imágenes segundas  que, incorporadas  según  una  estructura en abismo, el filme va a conjugar de múltiples  y  variadas  maneras.  El presente trabajo trata de dar cuenta de  la  génesis,  funcionamiento  y declinación  de  estas  imágenes segundas  y  de  los  sentidos  que  de ello emanan.

 

Abstract

Film  within  film,  a  recurrent technique  in  Pedro  Almodóvar’s filmography, it is also a main subject in  Broken  Embraces, a film which includes  another  film  entitled Chicas  y  maletas.  However,  the images  from  this  secondary  film –reflection  of  a  previous  film  by Almodóvar himself, Women on the Verge  of  a  Nervous  Breakdowncoexist  with  those  from  a documentary  which  is  in  fact  this film making-of. As a result, there is a proliferation  of  secondary  images that, once incorporated into a miseen-abîme structure, are combined in the  film  in  multiple  and  different ways.  The  present  work  aims  to discuss  the  genesis,  fundamentals and  deviation  of  these  secondary images, together with the meanings produced in this interplay.

 

Palabras claves

Cine, Almodóvar, Puesta en abismo, Transtextualidad, Autocita, Hipertexto.

Keywords

Film, Almodóvar, mise-en-abîme, Transtextuality, Self-quoting, Hypertext.

Forma de citar este artículo:

Poyato, P (2012): El cine en el cine: Los abrazos rotos (Pedro Almodóvar, 2009), en Fotocinema, Revista Científica de Cine y Fotografía, 5, 7 – 23.

Recuperado de http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=viewFile&path%5B%5D=116&path%5B%5D=81

 

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En el limbo de lo invisible

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EN EL LIMBO DE LO INVISIBLE

IN THE LIMBO OF THE INVISIBLE

 

 

Carmen Arocena y Nekane E. Zubiaur
Universidad del País Vasco

Resumen:

La vida de todo ser humano puede ser entendida como una narración en la que cada uno se une o se desune con diferentes objetos de deseo. La semiótica de corte greimasiano así lo explica cuando define al esquema narrativo como “una especie de marco formal en el que se inscribe el «sentido de la vida» con sus tres instancias esenciales: la calificación del sujeto que lo introduce en la vida, su “realización” por algo que «hace» y, finalmente la «sanción» -retribución y, a la vez, reconocimiento- que garantiza el sentido de sus actos y lo instaura como sujeto según el ser” (Greimas y Courtés, 1979:275). Por lo tanto, deseamos, actuamos y somos evaluados por ello.

 

Palabras clave:

Violencia; manipulación; invisibilidad; mujer; feminismo.

 

Abstract:

The representation of violence against women in the mass media adopts different forms that are not always explicit. Through the modes of manipulation described by Greimas and Courtés, contemporary images subject women to a single canon of acceptable beauty and a deceitfull representation of their pleasure mediated by masculine desire and satisfaction. Well into the XXI century, the dialectic between the visible and the invisible, which the patriarchal eye has installed in western society through the tyranny of the mass media, still prevents women from having access to a free and reliable expression of their own physical and sexual nature.

 

Keywords:

Violence; manipulation ; invisibility; women; feminism.

 

Forma de citar este artículo:

Arocena, C. y Zubiaur, N. (2011). En el limbo de los invisible, Fotocinema. Revista Científica de Cine y Fotografía, 4, 10 – 36. Recuperado de http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=viewFile&path%5B%5D=90&path%5B%5D=64

 

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