Fotocinema

Intertextualidad compositiva, representaciones iconográficas en Extremadura

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FOTOCINEMA Revista Científica de Cine y Fotografía

Intertextualidad compositiva, representaciones iconográficas en Extremadura

Intertextuality composition aliconographic  representations in Extremadura

Julio César Herrero

Mª Cristina Cañamero Alvarado

 

Resumen:

Durante la primera mitad del siglo XX, la fotografía y el cine documental tuvieron un gran peso dentro de los medios de comunicación, acercando con sus imágenes los acontecimientos, tipos, formas, cultura… desde cualquier punto de la tierra. Extremadura se convierte en un inusitado objeto de estudio por parte de diferentes autores nacionales e internacionales, como Ruth Matilda Anderson, Luis Buñuel o W. Eugene Smith, erigiéndose en unas décadas como protagonista de la imagen que España proyecta al exterior. Dichos autores trabajarán en diferentes décadas mostrando en sus obras líneas de intertextualidad compositiva, que vendrán dadas por los elementos iconográficos comunes.

Presentamos un análisis de imágenes, en cuatro grupos de muestra: vivienda; infraestructuras; maternidad e infancia. Para poder realizar un estudio de imágenes que diferente procedencia seguiremos una plantilla de análisis para mostrar las semejanzas morfológicas y compositivas.

 

Abstract:

During the first half of the twentieth century, photography and documentary film weighed heavily in the media, with their images approaching events, types, shapes, culture… from anywhere on earth. Extremadura becomes an unusual object of study by different national and international authors like Ruth Matilda Anderson, Luis Buñuel or W. Eugene Smith, standing out in a few decades as the protagonist of the image projected outside Spain. These authors work in different decades showing intertextuality works compositional lines, which are given by the common iconographic elements.

We present an image analysis sample into four groups: housing, infrastructure, motherhood and childhood. In order to perform a study of different backgrounds images that follows a template of analysis, which will guide us in showing the morphological and compositional similarities.

 

 

Palabras clave: 

Intertextualidad; Extremadura; imagen; iconográfico.

 

Keywords: 

Intertextuality; Extremadura; image; iconography.

 

 

Cómo citar este artículo:

César-Herrero, J. & Cañamero-Alvarado, M. C. (2013) Intertextualidad compositiva, representaciones iconográficas en Extremadura, en Fotocinema, Revista Científica de Cine y Fotografía, 7, 241-263

ISSN 2172-0150

 

Recuperado de:

http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=viewFile&path%5B%5D=201&path%5B%5D=135

Tiempo, memoria, imagen: Sans soleil de Chris Marker

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Tiempo, memoria, imagen: Sans soleil de Chris Marker

Time, memory, image: Chris Marker’s sunless

 

Fernado Luque

 

Resumen

Considerado uno de los ejemplos más representativos del ensayo fílmico, el cine de Chris Marker se ha caracterizado hasta la reciente fecha de su muerte por una insistente interrogación sobre el poder y la función de la Imagen. En este sentido, el filme Sans soleil (1982) supone una referencia ineludible al establecer un punto de acceso a una nueva etapa de su dilatada carrera donde  el interés por las imágenes del presente se iría sustituyendo por una obsesión por las imágenes del pasado, ya sean aquellas que han servido para escribir la Historia, ya sean aquellas de carácter más íntimo que se arremolinan caóticamente en las memorias individuales. Unas y otras imágenes componen Sans soleil, imágenes acumuladas por un coleccionista consciente de la especial melancolía que las impregna, y que pasan a constituirse en escritura fílmica. Es precisamente esta escritura el objeto de estudio del presente artículo, más concretamente, la manera en la que ésta desarrolla un característico discurso sobre el tiempo, la imagen y la memoria que se demostrará decisivo en la posterior filmografía markeriana.

 

Abstract:

Chris Marker’s films, which are considered to be some of the most representative examples of film-essay, have been marked until his recent death by a persistent questioning over the power and the purpose of Image. His film Sunless (1982) is at that respect an unavoidable reference when establishing a first step into a new phase within his long career. A phase where he slowly dropped interest for images of the present and developed instead an obsession for images from the past. The obsession comprised those images used to write History, as well as the more intimate ones that belong to the chaotic flow of individual memories. Sunless is made out of both kinds of images. Images accumulated by a collector who is aware of the special melancholy they are steeped in. Images that become film writing themselves. This article explores this writing, and more specifically, its characteristic discourse about time, image and memory, which will prove to be decisive along the following markerian filmography.

 

Palabras clave:

Ensayo fílmico; Documental; Chris Marker; Cine; Fotografía; Imagen digital.

 

Keywords:

Film-essay; Documentary; Chris Marker; Cinema; Photography; Digital image.

 

Cómo citar este artículo:

Luque, F. (2013) Tiempo, memoria, imagen: Sans soleil de Chris Marker, en Fotocinema, Revista Científica de Cine y Fotografía, 7,  209-240.

ISSN 2172-0150

 

Recuperado de:

http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=viewFile&path%5B%5D=197&path%5B%5D=132

El cuerpo, la piel y la pantalla: los territorios habitados por Pedro Almodóvar

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El cuerpo, la piel y la pantalla: los territorios habitados por Pedro Almodóvar

 

Body, skin and screen: the territories inhabited by Almodovar

Pascale Thibaudeau

 

Resumen:

En este artículo se estudian las implicaciones que tiene en La piel que habito la cuestión del cuerpo y de su territorio. Las interrogaciones sobre la identidad del sujeto, presentes en toda la filmografía de Pedro Almodóvar, alcanzan aquí su culminación concerniendo no solamente a la identidad del individuo sino también a la de las obras.

El juego de correspondencias instaurado por Pedro Almodóvar entre la cirugía plástica y la costura, entre la piel y el tejido, se prolonga en la relación plástica y visual que se establece entre la pantalla y el cuadro pictórico para desembocar en el trabajo del cine como arte del ensamblaje y la sutura. Para explorar las múltiples pistas que ofrece la película, la autora se vale de referencias a la mitología, al concepto de “Yo-Piel” creado por Didier Anzieu y a la dimensión háptica de la imagen desarrollada por Gilles Deleuze.

 

Abstract:

In this article are studied the implications of the body’s question and its territory in The Skin I Live In. The interrogations about the identity of the subject, which are present in the whole filmography of Pedro Almodovar, are reaching here their culmination point concerning not only the identity of the individual, but also the identity of the movies.

The concept of the cinematographic art as an assembling and seaming art is echoed in the plastic and visual relation that is established between screen and painting, as Pedro Almodovar institutes a matching game between plastic surgery and sewing, between skin and tissue.

To explore the multiple clues that offers the movie, the author uses references to mythology, to the concept of “I-Skin” developed by Didier Anzieu and to the haptic of pictures developed by Gilles Deleuze.

 

Palabras clave:

Almodóvar ; La piel que habito ; Moi-Peau ; pintura ; mitología ; transtextualidad.

 

Keywords:

Almodovar; The Skin I Live In; Moi-Peau; Painting; Mitology; Transtextuality.

 

 

Cómo citar este artículo:

Thibaudeau, P. (2013) El cuerpo, la piel y la pantalla: los territorios habitados por Pedro Almodóvar, en Fotocinema, Revista Científica de Cine y Fotografía, 7, 192-208.

ISSN 2172-0150

 

Recuperado de:

http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=viewFile&path%5B%5D=198&path%5B%5D=133

Segundo de Chomón, un guía turístico de cine

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Segundo de Chomón, un guía turístico de cine

Segundo de Chomón, a Movie Tourist Guide

Antonia del Rey Reguillo

 

Resumen

Desde sus orígenes el cine ha sido un poderoso creador de imaginarios sobre las culturas y los países del mundo. Por lo mismo, ha contribuido a configurar la imagen de España como destino turístico. Aunque los primeros documentales sobre España fueron filmados por camarógrafos extranjeros, muy pronto los operadores españoles empezaron a realizar sus propias películas, contribuyendo a conformar el imaginario fílmico nacional. Entre ellas destacan los documentales turísticos realizados para la firma Pathé por Segundo de Chomón, cuya habilidad narrativa y compositiva sientan las bases del género. Con ellos, sin obviar las expectativas espectatoriales, el cineasta consigue aportar un plus de realidad capaz de contrarrestar los habituales estereotipos sobre España manejados por el cine nacional e internacional coetáneos.

 

 

Palabras clave:

Cine primitivo español, imaginario turístico sobre España, documental turístico, Segundo de Chomón.

 

Abstract:

Cinema has been, from the beginning, a powerful creator of imaginary about the cultures and countries of the world. For this reason, it has helped shape the image of Spain as a tourist destination. Although the first documentary about Spain were filmed by foreign cameramen, Spanish operators soon began making his own movies, helping to shape the national filmic imaginary. These include tourist documentaries made ​​for the Pathé firm by Segundo de Chomón, whose narrative and compositional skills form the basis of documentary gender. With them, without forgetting spectatorial expectations, the filmmaker manages to provide an extra of veracity able to counteract the usual stereotypes about Spain handled by the national and international contemporary cinema.

 

Keywords:

Spanish primitive cinema, tourist imaginary about Spain, tourist documentary, Segundo de Chomón.

 

 

Cómo citar este artículo:

Del Rey-Reguillo, A. (2013) Segundo de Chomón, un guía turístico de cine, en Fotocinema, Revista Científica de Cine y Fotografía, 7, 5-22.

ISSN 2172-0150

 

 

Recuperado de:

http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=view&path%5B%5D=180

Moving Stills: Portraiture and Superficial Ties in Two Visconti Films

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Moving Stills: Portraiture and Superficial Ties in Two Visconti Films

Juan Sebastián Ospina Léon

 

Resumen:

Este ensayo se centra en dos películas dirigidas por Luchino Visconti, La terra trema (1948) y Rocco e i suoi fratelli (1960) estudiadas bajo la lente de discursos sobre la Cuestión Meridional (la subyugación del sur por el norte propia del proceso de consolidación nacional italiana). Analizo dos cuestiones concomitantes: la configuración de lazos de parentesco y cuerpos sociales meridionales mediante retratos fotográficos; y la relación de éstos últimos con imágenes en movimiento y narrativa fílmica. Consecuentemente en mi análisis estilístico pongo en duda afirmaciones de realismo documental en ambas películas consideradas paradigmas del cine neorrealista, resaltando en ellas el uso sistemático de convenciones melodramáticas. Subrayo el carácter sinestésico del melodrama, que toca al espectador mientras éste mira la pantalla. Visconti sistemáticamente presenta relaciones sinestésicas y emocionales entre tomas, fotos e imágenes para transmitir su propia solución a la Cuestión Meridional.

 

Palabras clave:

Neorrealismo; Melodrama; Luchino Visconti; La cuestión meridional; Estudios italianos

 

Abstract

This essay focuses on two films directed by Luchino Visconti, La terra trema (1948) and Rocco e i suoi fratelli (1960) under the light of Southern Question discourses–the subjugation of the South to the North inscribed in the process leading to Italian national affirmation. I address two related issues: the fabrication of southern kinship and social bodies via portraiture, and the latter’s relationship to moving images and filmic narrative. Consequently, analyzing film style I question claims of documentary realism in these films, paradigms of neorealist filmmaking, by foregrounding their systematic use of melodramatic conventions. I stress the synesthetic side to melodrama. Spectators look at the screen while in their turn are touched by its moving images. Visconti systematically presents once and again this synesthetic emotional relationship between shots, photographs, and pictures to forward his solution to the Southern Question.

 

 

Keywords:

Neorealism; Melodrama; Luchino Visconti; Southern Question; Italian Studies

 

 

Cómo citar este artículo:

Ospina-Léon, J. S. (2013) Moving Stills: Portraiture and Superficial Ties in Two Visconti Films en Fotocinema, Revista Científica de Cine y Fotografía, 7, 23-41.

ISSN 2172-0150

 

 

Recuperado de:

http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=view&path%5B%5D=181

 

El reto tecnológico en la gestión de los procesos productivos cinematográficos; el director de postproducción como eje para la implementación de efectos visuales en España (finales de los 90 – mayo del 2012)

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El reto tecnológico en la gestión de los procesos productivos cinematográficos; el director de postproducción como eje para la implementación de efectos visuales en España (finales de los 90 – mayo del 2012)

 

The technological challenge in the cinematographic workflow management: the director of post production for the implementation of visual effects in Spain (late 90´s – may 2012)

 

Oswaldo García Crespo

Diana Ramahí García

 

 

Resumen:

Este trabajo sobre la industria cinematográfica española se enmarca dentro de los estudios dedicados a analizar las consecuencias de la digitalización sobre la configuración de los procesos productivos y las competencias de los profesionales implicados. La postproducción cinematográfica en España es ya digital en la mayoría de los casos, culminando un proceso que se inicia a finales de los 90. Este hecho ha facilitado la digitalización de todos los flujos de trabajo y un proceso de traslación de parte de la creación de la imagen cinematográfica del rodaje a la postproducción.  En este contexto estudiamos las implicaciones que se derivan de la normalización de los efectos visuales digitales como herramienta de producción para películas de alto y bajo presupuesto. Así, unido a las necesidades de producción de estos efectos, la volatilidad de la tecnología digital demanda una actualización constante en la dirección de producción del film y nos lleva a evaluar la importancia del director de postproducción como eje para la implementación de las nuevas rutinas productivas.

 

Abstract:

This paper deals with Spanish cinematographic industry and it belongs to the field of studies focused on the workflows digitalization configuration and the changes in the professional competences involved. Cinematographic postproduction in Spain is now digital in most of the cases, completing a process which begins at the end of the 90´s. This fact has contributed to the digitalization of the whole production process and the translation of cinematographic image creation from the shooting to the postproduction. In this framework we approach the implications caused by the normalization of digital visual effects as production tool for high and low budget movies. Therefore, visual effects production needs together with ongoing evolution of digital technology require continuous updating for producers and lead us to assess the relevance of the director of postproduction as a key factor for the implementation of new workflows.

 

Palabras clave:

Digitalización; Postproducción; Efectos visuales; Director de postproducción.

 

Keywords:

Digitalization; Post production; Visual effects; Director of post production

 

 

Cómo citar este artículo:

García-Crespo, O. & Ramahí-García, D. (2013) El reto tecnológico en la gestión de los procesos productivos cinematográficos; el director de postproducción como eje para la implementación de efectos visuales en España (finales de los 90 – mayo del 2012), en Fotocinema, Revista Científica de Cine y Fotografía, 7, 43-71.

ISSN 2172-0150

 

 

Recuperado de:

http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=view&path%5B%5D=178

La fotografía de moda en el cine: Funny face y Blow up

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La fotografía de moda en el cine: Funny face y Blow up

Fashion photography in films: Funny face and Blow up

 

Mª José Flores Martínez

 

Resumen:

El cine, la televisión y la fotografía de moda – unida esta última a dos fenómenos económicos y sociales característicos del siglo XX: la moda y la publicidad- contribuyeron decisivamente al creciente proceso de democratización y globalización de la incipiente sociedad de masas que culminó en una nueva concepción de la cultura, la cultura popular. La fotografía de moda y el cine fueron medios de difusión de los modos de vida y tendencias sociales de su tiempo. Esta reproductibilidad fotográfica y cinematográfica influyó notablemente en una nueva forma de entender las obras de arte y, lo más importante, modificó también nuestra forma de percibir imágenes. En este artículo analizamos el lenguaje de las imágenes de fotografía de moda que exponen dos películas que consideramos representativas: Funny Face, de Stanley Donen yBlow Up, de Michelangelo Antonioni, realizadas en las décadas de los cincuenta y sesenta del pasado siglo respectivamente.

 

 

Abstract:

Film, television and fashion photography –joined the later to the two distinctive economic and social phenomena of the twentieth century: fashion and advertising- contributed decisively to the growing process of democratization and globalization of the emerging mass society which culminated in a new conception of culture: popular culture. Fashion photography and film media were lifestyles and social trends of this time. This photographic and film reproducibility greatly influenced a new way of understanding art and, most importantly, also changed the way we perceive images. In this paper, we analyze the language of fashion photography images displayed in two films: Funny Face, by Stanley Donen and Blow Up, by Michelangelo Antonioni; made in the decades of the fifties and sixties of last century respectively.

 

 

Palabras claves:

Cine; Fotografía de moda; Funny Face; Blow Up; Cultura Pop.

 

Keywords:

Film; Fashion photography; Funny FaceBlow Up; Pop culture.

 

 

Cómo citar: este artículo:

Flores-Martínez, M. J. (2013) La fotografía de moda en el cine: Funny face y Blow up, en Fotocinema, Revista Científica de Cine y Fotografía, 7, 73-98.

ISSN 2172-0150

 

 

Recuperado de:

http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=view&path%5B%5D=182

Confrontación. Más allá del duelo leoniano

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Confrontación. Más allá del duelo leoniano

Confrontation. Beyond leonian duels

 

Miguel A. Rodríguez Villar

 

 

Resumen:

La aplicación de nuevos modelos narrativos en el marco audiovisual compromete las estructuras establecidas con anterioridad. La gramática cinematográfica, como cualquier arte, evoluciona y se transforma superando viejos dogmas o recuperando anteriores propuestas. La presente investigación se centra en la deriva narrativa de los tratamientos  audiovisuales en las confrontaciones, focalizando el estudio en las características del duelo leoniano como base de una nueva narrativa o discurso de confrontación que sigue vigente en la actualidad.

 

Abstract:

The application of new narrative models in the audiovisual framework jeopardizes the previously established structures. Cinematographic grammar, as in any other artistic discipline, evolves and alters itself by overcoming old dogmas or preceding proposals. The current research explores the narrative drift of audiovisual treatments in confrontations by focusing on the study of the features of the leonian duel as a basis for a new narrative of confrontation that is still valid nowadays.

 

Palabras clave:

Duelo; Sergio Leone; narrativa; cine; confrontación.

 

Keywords:

Duel; Sergio Leone, narrative; cinema; confrontation

 

 

Cómo citar este artículo:

Rodríguez-Villar, M.A. (2013) Confrontación. Más allá del duelo leoniano, en Fotocinema, Revista Científica de Cine y Fotografía, 7, 99-136.

ISSN 2172-0150

 

 

Recuperado de:

http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=view&path%5B%5D=184

Los personajes femeninos bajo la mirada del cineasta Benito Zambrano. Retrato de la mujer en Solas, Habana Blues y La voz dormida

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Los personajes femeninos bajo la mirada del cineasta Benito Zambrano. Retrato de la mujer en Solas, Habana Blues y La voz dormida

 

Female characters seen by filmmaker benito zambrano. A portrait of women in the films Solas, Habana Blues and La voz dormida

 

Belén Puebla Martínez

Zoila Díaz-Maroto Fernández-Checa

Elena Carrillo Pascual

 

 

Resumen

El cine, entendido como productor de imágenes y significados concretos se convierte en un medio esencial para comprender el mundo que nos rodea. Es decir, el cine debe entenderse como un espejo que reelabora la propia realidad de la que se nutre, creando nuevas representaciones que pasarán a formar parte de nuestro imaginario.

 

En este sentido, este trabajo tiene como objetivo analizar la representación de la mujer en el cine del director español Benito Zambrano. Para ello, no sólo nos hemos centrado en observar los estereotipos que representan los personajes femeninos, sino que hemos analizado la existencia de representación femenina en cada uno de los film a través del test de Bedchel.

De esta forma, hemos podido ver como en sus tres películas (Solas, Habana Blues La voz dormida) el cineasta muestra a mujeres que adquieren un mayor protagonismo en cada una de las historias a través de personajes de gran complejidad. Zambrano ha intercalado roles clásicos –madre, hija, esposa– con estereotipos que nada tienen que ver con los que veíamos en el cine patriarcal. Como resultado, nos encontramos con personajes mucho más independientes, fuertes y maduros que se alejan, en cierto modo, del clasicismo de la imagen femenina que pudiera estar integrado dentro del imaginario colectivo.

 

Abstract:

Cinema, understood as the generator of images and meanings, becomes an essential way of understanding the world around us. Moreover, cinema should be seen as a mirror that reworks the reality from which it draws its inspiration, creating new representations that will become part of our imagination.

In this sense, the aim of this article is to analyze the representation of women in the films of Spanish director Benito Zambrano. For this purpose, we have focused not only on observing stereotypes portraying female characters, but we have also discussed the existence of female representation in each of them through the Badchel test.

Consequently, we see that in his three films (SolasHabana Blues and La voz dormida) the filmmaker shows women taking on more important roles in each of the stories through the complexity of their characters. To achieve this, Zambrano has interspersed classical models -mother, daughter, wife- with stereotypes that have no relationship with what is seen in patriarchal movies. As a result, we find characters who are much more independent, stronger and more mature. In a certain manner, they distance themselves from the classicism of the female image that one would normally find integrated within our collective imagination

 

 

Palabras clave:

Benito Zambrano; cine; representación femenina; mujer; personaje.

 

Keywords:

Benito Zambrano; cinema; female representation; woman; character.

 

 

Cómo citar este artículo:

Puebla-Martínez, B. et al. (2013) Los personajes femeninos bajo la mirada del cineasta Benito Zambrano. Retrato de la mujer en Solas, Habana Blues y La voz dormida, en Fotocinema, Revista Científica de Cine y Fotografía, 7, 137-167.

ISSN 2172-0150

 

 

Recuperado:

http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=view&path%5B%5D=171

La risa en La Ricotta de Pasolini

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La risa en La Ricotta de Pasolini

From still image to moving image: analysis of laughter in la Ricotta from Pasolini

 

José Manuel López-Agulló Pérez-Caballero

 

Resumen

 

El presente ejercicio teórico toma como objeto de su estudio la risa dentro de la narración cinema-tográfica a partir de un fragmento escogido del filme de Pasolini, La ricotta (1963).

Para ello articularemos nuestro análisis en dos episodios: el primero dirigido al repaso teórico e histórico de la risa; el segundo, a la aplicación de las directrices metodológicas rescatadas del primero al análisis cinematográfico de nuestro caso de estudio.

Se trata de analizar el comporta-miento de la risa a partir de los elementos que componen la historia cinematográfica: los narrativos y los estilísticos. La finalidad del texto será la de estudiar la disyunción entre imagen fija e imagen movimiento tomando la risa como el punto de inflexión entre ambas.

 

Abstract:

This essay is based on the study of laughter in cinematic storytelling from a chosen fragment of Pasolini’s film, La ricotta (1963). This paper will be structured in two stages: the first one related to theoretical and historical overview of laughter, and the second one on film analysis taking in consideration the previous concepts underlined at the first stage.

That means to analyse the behaviour of laughter through the elements that are involved in the construction of a film story: narratives elements and stylistic elements. The aim of this essay is to study the relationship between still image and moving image, taking laughter as the turning point between those types of images.

 

Palabras clave:

Risa; mecánico; viviente; imagen fija; imagen movimiento.

 

Keywords:

Laughter; mechanical; living; still image; moving image.

 

 

Cómo citar este artículo:

López-Agulló Pérez-Caballero, J.M. (2013) La risa en La Ricotta de Pasolini, en FOTOCINEMA. Revista Científica de Cine y Fotografía, 7  169-191.

ISSN 2172-0150

 

 

Recuperado de:

http://www.revistafotocinema.com/index.php?journal=fotocinema&page=article&op=view&path%5B%5D=185